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- El espacio expositivo, fundado en 2016 y dirigido por Walter Cerquone, posee sedes en Madrid y Caracas. Entre sus objetivos, busca interrelacionar maneras de hacer, de representar y reflexionar acerca del arte en ambos contextos geográficos. Su más reciente muestra en Venezuela, en el espacio ubicado en La Castellana, se titula Relaciones públicas (RRPP), curada por el español Jordi Pallarés, incluye trabajos de ocho creadores
Una muestra de arte que vincula Caracas y Madrid se extiende por los espacios de Cerquone Gallery, que está ubicada en la avenida San Felipe de La Castellana. En un proceso que indaga en las posibilidades de las relaciones humanas, la relación del ser con su contexto geográfico y emocional, con la casa y la eterna idea de partir, se desenvuelve Relaciones Públicas (RRPP), exhibición que cuenta con la curaduría del español Jordi Pallarés y el trabajo de ocho artistas internacionales: Srger, Grip Face, Ampparito, Eltono, Nano Abia, Nuria Mora, Sixe Paredes e Ignacio Bosch.
La exhibición inauguró el pasado 27 de agosto, los horarios de visita del público son: de martes a viernes, de 11:00 am a 5:00 pm; sábados y domingos, por previa cita.
Cerquone Gallery, indican sus organizadores en el portal web, se orienta a desarrollar un discurso artístico que establezca vínculos entre Europa y América del Sur. Creada en el año 2016, la galería posee sedes en Madrid y Caracas. Cada propuesta expositiva se configura como una ventana para que artistas y espectadores de ambas geografías entren en contacto con el trabajo actual, las búsquedas, colaboración, reflexiones y hallazgos en el arte.
Por ello, la propuesta que presentan a los espectadores en Caracas con Relaciones Públicas (RRPP) busca revisar el proceso expositivo en el contexto del propio periplo de la galería en sus dos sedes y su relación con los vínculos entre los creadores y el curador.
Una metáfora que se trabaja en varios niveles: el movimiento hacia afuera (el espacio público, la casa) y hacia adentro (los procesos emocionales íntimos de cada artista) y cómo se suceden las fusiones de estos aspectos. Es un guiño a la vida misma, en la que confluyen elementos que van cambiando con el tiempo, los lugares y con las maneras de relacionarse; qué sucede tras los cambios, qué representa el pasado y el viaje que se inicia cada día. Así son revisados los procesos afectivos, geográficos, laborales, culturales, históricos, políticos y sociales conforman los senderos que transitan los creadores en una dinámica cambiante.
Relaciones públicas (RRPP) es la tercera colaboración entre el curador Jordi Pallarés y el director de la galería. En 2021, llevó a cabo su primer trabajo en la sede de Madrid con We Dance, You Mean, un proyecto colectivo de creadores de diversas latitudes. El mismo año y en la misma sede, asumió la curaduría de la exposición Jungle Man de Paul Amundarain.
Pallarés (España, 1967), quien también ha participado en exposiciones en Mallorca, Barcelona y Bilbao, estuvo de visita en el país y contó para El Diario que la intención de la exhibición es mostrar el trabajo de creadores contemporáneos.
“Desde mi manera entender la curaduría, porque cada uno lo entiende obviamente a su manera, tiene que ver muchísimo con cómo yo me relaciono con el otro. Para mí la práctica curatorial y artística está muy teñida, digamos contaminada, de lo relacional porque lo profesional está muy estrechamente vinculado con lo personal, lo afectivo. Soy un curador que mantiene una relación cercada con los creadores con los que trabajo, quiero construir con ellos el discurso, me gusta que me interpelen, los provoco”, cuenta.
Añade que en este proceso se genera un fundamental flujo de información que para él es importante y que responde a los tiempos que cada persona vive: “Es algo que a veces sale de manera explícita, porque te lo cuentan, porque lo respiras, ¿no? Y eso provoca encuentros o posibles desencuentros. Porque trabajar con una persona a esos niveles es a veces muy intenso. En ocasiones esa relación puede estar muy bien, porque tienes una complicidad, que te lleva asimismo a otros lugares. Eso está allí siempre, pasa con artistas, comisarios, galeristas. Y seguramente en cualquier disciplina”.
Para Pallarés Relaciones públicas (RRPP) se traduce como un ejercicio “metacuratorial” ya que en el proceso él mismo revisa sus propias dinámicas, sus maneras de proceder, con el objetivo de hacerse más consciente del oficio. “Qué supones sobre lo que representa hacer una exposición para un artista, lo que ocurre en el proceso, lo que ves al final, no solo desde el aspecto técnico, sino todos los elementos que intervienen. Cómo se gestiona todo, qué sucede luego, qué expectativas hay con ese artista, en la relación con el galerista. Todo esto es fundamental”, indica
En este proceso curatorial consciente, la experiencia se configura como una puesta en escena en la que lo externo e íntimo se unen: “La mayoría de los artistas de RRPP provienen del espacio público. Yo también llevo años investigando al respecto, pertenezco a un grupo de investigadores del arte urbano. Entonces, claro, son creadores con una amplia experiencia. Aunque tú veas lienzos, detrás hay calles, hay cuerpo, hay movimiento. Cuando hago un proyecto me gusta interpelar mucho al espectador, ponerme en ese lugar en cuanto a la mediación, a la gráfica, en cuanto a todo. Pero también me interesa que el público tenga una serie de herramientas para no conectar. No busco un espectador pasivo. De alguna manera el espectador se configura también como cuerpo de trabajo. Eso es importante tenerlo en cuenta también. Son muchos los retos que me planteo con Relaciones Públicas, porque además es un proyecto que se inicia en Caracas y continúa en Madrid, con lo cual son dos ciudades, dos países que interactúan, con todo lo que en ello hay”.
En este proceso reflexivo también intervienen las relaciones previas que el curador ha tenido con los artistas participantes, tanto desde las piezas como desde los textos trabajados en diversos momentos, contextos y geografías.
Investigación sobre la espacialidad y los viajes
Uno de los artistas españoles que forma parte de la muestra es Ignacio Bosch, quien también estuvo de visita en el país para el montaje e inauguración. Era la primera vez que pisaba estas tierras.
“El hecho de dejar mi isla, mi país para venir a otro lugar es importante en el proceso. Es decir, ha sido fundamental a la hora de concebir el proyecto. Y una de las cosas que más me interesaba era el movimiento, pero no de la manera en que yo lo había trabajado anteriormente, sino como el hecho de dejar mi territorio para ir a uno nuevo, desocupar mi zona de confort para ocupar una nueva zona que no conoces. El trabajo comenzó en España, en una etapa de investigación, de elaborar planos”, cuenta el artista.
Desde el punto de vista del hogar, del territorio, de la conexión geográfica con los espacios, en una era marcada por la hiperconectividad y la migración, la investigación de Bosch indaga también en cómo el individuo puede perder su espacio, cómo lo va perdiendo sin saber, y cómo eso impulsa acciones particulares. “Es muy importante para mí crear ámbitos, especies de escenografía. Y por eso es fundamental el desplazamiento, vivir en el sitio, informarse”, añade.
En su obra desarrollada en Caracas, trabajó en elementos como el papel oscuro que cubre las paredes, las ventanas, los carros, las casas, las cosas. Esa idea, ese ambiente de protección y al mismo tiempo encierro. Un material ambiguo porque ese mismo papel oscuro se puede emplear para cubrir cosas que se van a quedar atrás: casas, objetos, lugar que ocupas en un momento y que luego dejas. Bosch indagó, entonces, en el discurso sobre la pertenencia: “cuándo y qué es tuyo, qué estaba antes, a quién le perteneció, cómo comienza a pertenecerte a ti”.
En esto, plantea un juego con la cotidianidad y la descontextualización de sus elementos para indagar en cómo ha cambiado su función en la dinámica diaria de las personas. La descontextualización como parte del viaje.
A través de estos procesos, el arte y su relación con el espectador ejercen una serie de tensiones o fuerzas que se van moviendo, actúan sobre quien observa la pieza y van generando diversos significados.
Finaliza Bosch: “Cuando miraba imágenes de Caracas, antes de venir al país, me daba cuenta de que algo muy habitual acá es el tapar las cosas. Mientras más oscuro crece la sensación de seguridad. Yo voy un poco por esa línea de trabajo y convierto en arte algo que tiene otro significado. El mecanismo interno de ocultar cosas, un mecanismo de control, y que luego desvela algo, como piel que recibe información”.
