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- Dentro de la ceremonia de los Premios de la Academia, el gran momento de la noche es cuando se anuncia a la ganadora como la película más reconocida del año. El Diario hace un repaso por las 10 cintas que aspiran llevarse el máximo galardón y sus posibilidades de lograrlo
El Teatro Dolby de Los Ángeles se llenará de estrellas la noche del 12 de marzo. Como cada año, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos realizará la entrega de los Premios Oscar, considerado como el galardón más importante de la industria del cine. De entre todas las nominadas, 10 destacan por aspirar al premio máximo: la categoría de Mejor Película.
Para su 95° edición, la selección de los Oscar es bastante variopinta. Películas como Top Gun: Maverick y Avatar: el camino del agua figuran quizás más en reconocimiento por rescatar la taquilla de la crisis dejada por la pandemia de covid-19. Aunque es la primera vez que dos secuelas entran a esta categoría en un mismo año. También marca un cambio de paradigma dentro de la Academia, que ahora apuesta por trabajos estéticamente atrevidos y vibrantes, como Elvis y Todo en todas partes al mismo tiempo.
Aunque aún hay lugar para las historias más clásicas. Cintas profundas como TÁR, Ellas hablan y Los espíritus de la isla mantienen su lugar privilegiado entre las nominaciones. Mientras, Steven Spielberg demuestra que sigue más activo que nunca con Los Fabelman. También continúa la tendencia hacia la globalización expandiéndose al cine de otros rincones del mundo, esta vez en Europa con Triángulo de la Tristeza y Sin novedad en el frente.
El Diario presenta un repaso por las historias nominadas en la categoría de Mejor Película:
Todo en todas partes al mismo tiempo
La obra de Daniel Kwan y Daniel Scheinert es la gran favorita de la noche. Lidera la lista con 11 nominaciones, entre ellas la tríada de Mejor Película, Director y Guion Original. Marcó el resurgimiento de la carrera del vietnamita Ke Huy Quan, nominado a Mejor Actor de Reparto, mientras Michelle Yeoh compite en Mejor Actriz Principal y en Actriz de Reparto hay una doble candidatura de Jamie Lee Curtis y Stephanie Hsu. También figura en las categorías de Montaje, Vestuario, Banda Sonora y Canción Original, para “This Is A Life”.
Viene de una exitosa temporada de premios, con cinco Critic’s Choice Awards, dos Globos de Oro y un Bafta. Pero es en los premios entregados por los diferentes sindicatos donde ha arrasado, siendo este un indicador de su fuerza para los Oscar. Ganó tres Screen Actors Guild Awards (SAG), además de los Directors Guild of America (DGA) y Guion Original en los Writers Guild of America (WGA). También se impuso en los Premios del Sindicato de Productores (PGA), los cuales normalmente coinciden con la selección de la Academia.
La cinta usa el concepto del multiverso, hoy torpemente explotado por el cine de superhéroes, para desatar una historia con posibilidades infinitas. Evelyn (Yeoh) es una dueña de una lavandería con problemas económicos y familiares. Su matrimonio con Waymond (Quan) está muriendo y la relación con su hija (Hsu) está en su punto más distante. Sin embargo, de la nada se convierte en la antiheroína elegida para frenar una amenaza cósmica. Aunque está lejos de ser la oportunidad para evadirse de sus conflictos personales. Para salvar las realidades no deberá viajar entre mundos, sino sumergirse en lo más profundo de sí misma.
Dicen que cada cabeza es un mundo, pero la de Evelyn es un multiverso completo. La cinta parte de la idea de cómo las decisiones que se toman a lo largo de nuestras vidas moldean quiénes somos, y la belleza que hay detrás de construir un fuerte lazo con alguien entre millones de humanos de millones de tierras. Aprovecha varios recursos visuales y narrativos para explorar el significado de la existencia y lo milagrosa que es la vida.
Sin novedad en el frente
La cinta alemana tiene el doble chance de estar tanto en la contienda principal como en la de Mejor Película Internacional. Comparte con Los espíritus de la isla el segundo puesto de más nominaciones de la noche, figurando en nueve categorías. Además de las ya mencionadas, compite en Guion Adaptado, Fotografía, Banda Sonora, Maquillaje y Peluquería, Efectos Especiales, Diseño de Producción y Sonido.
Ha sido una de las grandes revelaciones de esta temporada. Arrasó en los British Academy Film Awards (Bafta) con siete premios, incluida Mejor Película y Mejor Director para Edward Berger (quien no está nominado en los Oscar). También ganó el premio de la Association of Motion Picture Sound (AMPS), lo que podría ser un buen presagio para su candidatura de Mejor Sonido. Varios analistas también la consideran una competidora fuerte para Mejor Guion Adaptado, aunque al no ser una película estadounidense no pudo medirse en los WGA.
Está basada en la novela Sin novedad en el frente, escrita en 1929 por Erich Maria Remarque. Ya había sido llevada al cine antes en 1930 (la cual ganó dos Oscar en su momento); y otra para televisión en 1979. Sin embargo, esta versión distribuida por Netflix brilla no solo por aprovechar el avance de la tecnología, sino también por capturar mejor el espíritu antibelicista de la obra original. Cuenta la historia de un grupo de jóvenes alemanes que se alistan entusiasmados en la Primera Guerra Mundial. Más que el patriotismo, los mueve la sed de aventura, pero desde la primera batalla conocerán el horror de las trincheras. Se siente el permanente miedo de morir, además de las secuelas psicológicas que deja semejante trauma.
Desde la perspectiva de Paul (Felix Kammerer), se ve con extremo realismo y crudeza lo que es la guerra. Sin heroísmo ni gloria, no hay música épica que acompañe sus hazañas. Solo el sonido de balas, gritos y explosiones se juntan con un ruido metálico, antinatural, que aprieta los dientes en los momentos de mayor tensión. En la medida que ve morir a sus amigos, Paul se convierte en cascarón vacío, movido por el puro instinto de supervivencia. Mientras tanto, la cinta alterna el campo de batalla con la comodidad de salones donde ministros y generales juegan con vidas humanas sin el mayor remordimiento. Personajes con uniformes llenos de medallas que hablan del honor y el deber mientras los cadáveres de sus soldados son sacados del lodo para remendar sus uniformes y entregarlos a la siguiente ronda de reclutas.
Elvis
Las biografìas musicales están de moda, y entre tantas vidas de rockstars llevadas a la gran pantalla no podía faltar la de El rey, Elvis Presley. Al estilo de otras de su género como Bohemian Rhapsody (2018) o Rocketman (2019), esta muestra al reconocido músico estadounidense desde sus orígenes y cómo alcanzó la fama. Muestra también el peso del éxito con traiciones, abuso de sustancias y la pérdida de seres queridos, aunque sin llegar a deconstruir por completo al personaje, sino más bien absolviéndolo ante la grandeza de su legado.
Aunque sigue la fórmula de surgimiento, auge y caída clásica de estas biopics, Elvis tiene varios elementos que la hacen especial. Para quienes conocen la vida del rey del rock, sabrán que a diferencia de otras figuras como Freddie Mercury y Elton John, él no tuvo un resurgimiento tras la caída, lo que le da a la historia un carácter trágico y una sensación de tristeza que invade sobre todo en el tercer acto, a pesar del despliegue de brillos y colores característicos de la iconografía de Elvis. Enfocarla narrativamente con el coronel Parker (Tom Hanks) ofrece un punto de vista bastante peculiar. Uno que si bien no permite profundizar en la mente y dilemas de Elvis, sí refuerza su aura mesiánica desde la perspectiva del villano que lo privó como artista, pero también lo exaltó como icono cultural.
La cinta tuvo un paso bastante tibio en las premiaciones, destacando cuatro Bafta, un Globo de Oro y un Critic’s Choice Award. La mayoría han sido, además de su producción, para Austin Butler, quien ha recibido elogios de la crítica por encarnar a un Elvis tan fiel que parece reanimado de sus viejos conciertos. De hecho, el actor y cantante es uno de los candidatos más fuertes para llevarse el Oscar.
En estos Premios de la Academia brilla con ocho nominaciones. No solo la de Butler a Mejor Actor, sino también a Mejor Fotografía, Montaje y Sonido. También en Maquillaje y Peluquería, Diseño de Producción y Vestuario, donde también podría llevarse algunas estatuillas al ser la clave para que Butler pudiera realmente convertirse en Elvis más allá de su performance.
Los Fabelman
Dirigida, escrita y producida por Steven Spielberg, aseguró su sello de calidad con dos Globos de Oro a Mejor Pelìcula de drama y Director. Esto aunque ha sido superada por el resto de sus competidores en la temporada de premios. Para los Oscar compite en siete categorías, destacando Spielberg en Dirección y Guion Original, así como Michelle Williams y Judd Hirsch en Actriz Principal y Actor de Reparto respectivamente.
En Mejor Banda Sonora figura el reconocido compositor John Williams, que a sus 90 años de edad se convierte en la persona de mayor edad nominada a un Oscar, así como la segunda con más nominaciones en la historia del galardón (53), solo superado por Walt Disney (59).
Con Los Fabelman, Spielberg decide compartir su historia más personal. Aunque los personajes sean ficticios, son recreaciones casi exactas de sí mismo y de su familia. Mediante este alter ego, el director cuenta su vida como un niño judío en el Estados Unidos de los años sesenta. Aborda recuerdos de sus mudanzas, su participación en los scouts o el antisemitismo que sufrió en la escuela y los conflictos con su religión. También episodios más íntimos como el divorcios de sus padres y los problemas mentales de su madre, con quien profundiza en su compleja relación. De hecho, la historia es una entrañable muestra sobre cómo es ese proceso de entendimiento y reconciliación con los padres en la medida que cada joven va madurando y construyendo su propio camino.
Pero además de ser una historia familiar, la cinta es una declaración de amor al cine por parte de Spielberg. Para cualquier amante de las películas, y sobre todo aquellos que han soñado con hacerlas, será auténtica cátedra con la que se pueden ver reflejados. En especial en momentos como ese brillo de fascinación en la mirada al ver por primera vez una pantalla de cine, o la emoción de rodar sus propios filmes caseros entre amigos. Incluso lo que es aferrarse a ese sueño hasta tocar las puertas de un estudio, fracasar y perseverar hasta cumplirlo.
Los espíritus de la isla
Un guion de teatro descartado se convirtió en la gran apuesta del irlandés Martin McDonagh para los Oscar. En un año lleno de historias llenas de energía, esta es la propuesta más tranquila, pero no por ello la menos contundente. Lo prueba con sus nueve nominaciones entre las que se encuentran Mejor Director y Guion Original. También destaca por su elenco, con Barry Kheogan y Brendan Gleeson compartiendo la categoría de Mejor Actor de Reparto, Kerry Condon en Actriz de Reparto y Colin Farrell en Actor Principal.
Igualmente, posee nominaciones a Mejor Banda Sonora y Mejor Montaje. Viene de una exitosa temporada de premios, donde recogió tres Globos de Oro, cuatro Bafta y un Satellite Awards. Precisamente la mayoría de sus reconocimientos han sido por sus actuaciones y su escritura, la cual es una sólida competidora para Mejor Guion Original. No pudo ser nominada a los WGA por ser una cinta extranjera, por lo que podría dar la sorpresa en los Oscar.
Su historia precisamente va de un pequeño pueblo insular irlandés, donde un día, sin más, Colm (Gleeson) decide romper su amistad con Pádraic (Farrell) porque lo considera insufriblemente aburrido. Este gesto tan aparentemente simple va escalando hasta niveles absurdos en la medida que Pádraic se obsesiona con recuperar a su amigo. Esto al punto de sacrificar parte de su propia bondad para llamar su atención. Este conflicto va permeando en otros personajes del pueblo, cuyas vidas cambian luego de que la terquedad de este pastor comience a revolver asuntos enterrados en sus propias mentes. Todo es como una bola de nieve que desciende lentamente, pero sin dejar de crecer.
Fuera de su premisa, la película maneja a la perfección diferentes lenguajes que van de lo estético a lo simbólico. Encuadres y elementos que van complementando cada escena para profundizar en sus personajes y contar lo que ellos aún son incapaces de expresar. Esto se potencia con diálogos brillantes que potencian cada una de sus actuaciones. Permiten descubrir cómo cada uno de ellos sufre internamente por la insatisfacción con sus vidas, la soledad y una melancolía tan gris como sus paisajes. Aunque no lo vean, la isla está llena de fantasmas que presagian muerte.
TÁR
Esta es la cinta del estadounidense Todd Field que ha recibido más nominaciones al Oscar. Para esta gala compite, además de Mejor Película, en Guion Original, Director, Montaje y Fotografía. También a Mejor Actriz para Cate Blanchett, quien es la favorita de la crítica para llevarse la estatuilla.
La base de esto parte en que la actriz australiana se ha llevado la mayoría de los premios en los que TÁR ha sido nominada. Lo hizo en los Globos de Oro, el Bafta, los Critic’s Choice Awards (donde también ganó Mejor Banda Sonora), e incluso la Copa Volpi del Festival Internacional de Cine de Venecia. Solo en los SAG fue superada por Michelle Yeoh, lo evitó que repitiera la hazaña que ya había conseguido en 2014 con Blue Jasmine.
La cinta tiene la peculiaridad de sentirse como una biografía, pero no lo es. Su historia, aunque sea ficticia, se basa en una realidad tan normalizada que ya resulta familiar. Y es cómo en la actualidad resulta más sencillo derribar pedestales de personajes que creen que el talento es excusa para abusar del poder que se les confiere. Se ha visto en el ámbito académico, político y artístico con movimientos como el Me Too. Y en la historia se hace una sutil mención de Plácido Domingo para dejar claras sus referencias.
Pero la historia va mucho más allá de la caída de Lydia Tár (Blanchett) en desgracia. De hecho, se atreve a cuestionar su propio mensaje con reflexiones sobre la toxicidad de la cultura de la cancelación y la necesidad posmoderna de reducir discursos a temas de raza, género y sexualidad. Aun así, Lydia no es alguien bueno. Es una obsesiva del control que repite los mismos patrones de nepotismo e influencias que el medio machista en el que se mueve. O por lo menos esa puede ser una lectura, porque la cinta permite al espectador dudar de todo lo ocurre, creer que la protagonista cae por su propios pecados o es víctima de un complot en las sombras. Un poco como El cisne negro (2010), pero con una sutileza que se vuelve casi paranoica.
Ellas hablan
Es la película con menos nominaciones dentro del cuadro. Aunque la actriz y escritora Sarah Polley no consiguió entrar en la categoría de Mejor Director, sí es una fuerte competidora en Mejor Guion Adaptado, donde ya ganó esta temporada en los Critic ‘s Choice Awards y los WGA. Es una adaptación de la novela Ellas hablan (2020), de la escritora canadiense Miriam Leslie Toews, quien creció en una comunidad cristiana menorita.
Aunque no fue la experiencia personal de la autora, los hechos de su libro se inspiraron en un caso real. En 2011, ocho hombres de otra comunidad menorita en Bolivia fueron condenados por abusar sistemáticamente de más de 300 mujeres, incluidas niñas. Sobre esa base parte la historia de Ellas hablan. Luego de que la situación alcanza un punto de quiebre, las mujeres deben elegir entre irse de la comunidad, quedarse y enfrentarlos o perdonarlos para “no perder su entrada al cielo”. Corresponde a tres familias partidarias de cada una de estas opciones reunirse para exponer sus argumentos y llegar a un consenso antes de que los hombres regresen de la ciudad.
La época y país en la que está ambientada sutilmente sirve para recordar que esto todavía ocurre en el mundo moderno. Incluso fuera de grupos fundamentalistas radicales, en sociedades que se consideran más civilizadas. Polley convierte esta historia llena de diálogos desgarradores en un auténtico ejercicio de parlamentarismo, donde la mayoría de escenas transcurren en un granero en el que las protagonistas debaten.
A través de las vivencias de sus personajes, hace una síntesis de la historia de las mujeres en el mundo. Siglos de opresión, violencias e invisibilización, además de situaciones con las que muchas espectadoras lamentablemente se sentirán identificadas. La cinta resulta en una interesante exposición que confronta diferentes visiones del feminismo, pero también en una catarsis donde triunfan la sororidad, el empoderamiento y el amor como formas de sanación.
Top Gun: Maverick
Esta cinta quedará para la historia como la gran salvadora de Hollywood. La pandemia de covid-19 y la comodidad de las plataformas de streaming provocaron una fuerte crisis en la industria, con pérdidas millonarias en sus producciones. Ninguna película lograba mantener su taquilla por más de una semana, poniendo a las salas de cine en riesgo de volverse reliquias del pasado. Sin embargo, fue precisamente un clásico del siglo pasado el que volvió en forma de secuela para levantar los ingresos, recaudando más de 1.400 millones de dólares mundialmente y permaneciendo por semanas en cartelera.
El fenómeno de Top Gun: Maverick conquistó tanto al público, como a la crítica. Incluso Spielberg aplaudió su nominación al Oscar y abrazó a Tom Cruise por su hazaña. Y es que el actor, quien también fue uno de sus productores, rechazó lanzarla directamente en streaming. Incluso retrasó su estreno para que pudiera hacerse en salas. Siendo un blockbuster estadounidense, llegó a presentarse en el Festival de Cine de Cannes. Es considerada además como todo un símbolo moral de la superación de la pandemia y el regreso del mundo a la normalidad.
Quizás fue uno de esos casos en los que pensar a la antigua fue lo mejor. Allí también radica la clave de su éxito cautivando a la audiencia. La cinta captura perfectamente la esencia de lo que convirtió a su antecesora en un icono de la cultura pop. Tiene espíritu y corazón de una producción ochentera, pero renovada con lo mejor de la tecnología actual. Aun así, evita abusar del CGI y emplea efectos prácticos, dándole más actitud y autenticidad. Sigue el regreso de Maverick (Cruise) a la academia Top Gun, ahora como instructor. Es el mentor de Rooster (Miles Teller), hijo de su amigo fallecido en la cinta anterior, y trae de vuelta también a Val Kilmer como Iceman, en una escena nostálgica.
Además de Mejor Película, posee cinco nominaciones, principalmente en categorías técnicas. Al ser una secuela logró entrar a Mejor Guion Adaptado, que se suma a Mejor Sonido, Efectos Visuales y Montaje. También a Mejor Canción Original por el tema “Hold My Hand”, de Lady Gaga y BloodPop.
Triángulo de la Tristeza
Esta cinta le otorgó al sueco Ruben Östlund el honor de entrar al club de directores que han ganado dos veces la Palma de Oro del Festival de Cannes. Más allá de triunfar en los Premios de Cine Europeo, no levantó grandes pasiones en el resto de premiaciones, donde resultó opacada por el resto de competidoras del circuito más mainstream.
Para los Oscar cuenta con tres nominaciones, aunque son de las más cotizadas para cualquier realizador: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Original. También se perfila ya como una cinta de culto entre los seguidores de Östlund, el último vértice de una trilogía que se completa con Turist (2014) y The Square (2017).
Justamente siguiendo la misma línea temática que sus antecesoras, Triángulo de la Tristeza es una sátira bastante mordaz hacia el capitalismo y la frivolidad de la gente privilegiada. Aquí se presenta a una pareja de modelos e influencers que viaja en un yate de lujo junto a lo más rico y rancio de la clase alta. Desde los herederos de un negocio de venta de armas hasta un oligarca ruso que se enriqueció del desmantelamiento de la Unión Soviética. Una serie de desventuras convertirá a parte de ellos en náufragos en una playa. Allí se invertirán por completo las dinámicas de poder, tanto sociales como de género.
Se diferencia dentro de la trilogía por ser la menos sutil en su ejecución. De hecho, más que un comentario crítico, se regodea simplemente en el placer de hacer sufrir a millonarios antipáticos, jugando muchas veces con la ironía. Cambia precisamente la elegancia del aburguesado cine europeo por una comedia negra llena de momentos escatológicos, quizás como una metareferencia a la forma que los medios de comunicación y redes sociales buscan llamar la atención del usuario a través del shock.
Avatar: el camino del agua
Está nominada cuatro categorías: Película, Diseño de Producción, Sonido y Efectos Visuales. En ese último rubro es donde ha brillado durante la temporada, ganando un Bafta, un Critic’s Choice Awards y dos Premios Annie de la industria de la animación. También arrasó en los premios de la Sociedad de Efectos Visuales (VES).
Es la representante de las megaproducciones en el cuadro junto a Top Gun. Con esta comparte también parte del mérito de devolver a la gente a las salas de cine, logrando una recaudación mundial incluso mayor, de $2.282 millones. Sin embargo, lo que la hace destacar realmente es su innovación. La producción de Avatar es algo que amerita su propia película. Se tuvo que desarrollar tecnología para hacer tomas submarinas y rodar en tanques especiales con sistemas de captura de movimiento. El director James Cameron se convirtió en la primera persona en descender solo a la fosa de las Marianas, el punto más profundo del planeta, para investigar esos hábitats submarinos.
La historia sigue a Jake Sully (Sam Worthington), quien desde la cinta anterior dejó su cuerpo humano para rehacer su vida dentro de su avatar extraterrestre. Han pasado 16 años y ahora es el jefe de su clan, además de tener una familia con Neytiri (Zoe Saldaña). Deberán un nuevo intento de los humanos de invadir el planeta, uniendo fuerzas con la tribu del arrecife, la cual está conectada con el océano de la misma forma que ellos lo están con la selva. Se mantiene exactamente el mismo concepto sobre la protección del medio ambiente y su crítica al colonialismo depredador de recursos naturales.
Cameron siempre soñó con hacer más películas de Avatar, y en 2016 confirmó que sería una franquicia de cinco entregas. De hecho, la tercera parte se rodó en paralelo a la segunda para estrenarse en 2024. Aquí se aprecia el esfuerzo del cineasta por expandir en el desarrollo de su mundo, profundizando más en los ecosistemas de Pandora. Realmente se sienten las interacción de un planeta lleno de vida. Igualmente, el espectáculo visual de sus escenas bajo el agua, cargadas de un realismo estilizado, justifican el éxito que tuvo en las salas de cine. Incluso se debieron hacer adaptaciones para mejorar la experiencia de los espectadores.
