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- Para su 96ª entrega, 10 producciones aspiran a ser inmortalizadas en el Olimpo de Hollywood, todas con tramas, actuaciones y trasfondos que, más allá de si ganan o no la estatuilla, ya dejan un legado dentro de la industria. El Diario hace un repaso a través de historias que marcaron al cine esta temporada
La gran noche de las estrellas será el 10 de marzo. Desde el teatro Dolby de Los Ángeles se llevará a cabo la 96ª edición de los Premios Oscar, con el comediante Jimmy Fallon como presentador. Allí, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos le rendirá homenaje a lo más destacado del cine comercial, en lo que se ha consolidado desde hace décadas como el galardón más importante del séptimo arte.
De las 23 categorías que se premiarán durante la ceremonia, la joya de la corona es la de Mejor Película. Realmente es un reconocimiento para las cintas como producto, con todo el proceso que implican, de allí que sea recogido por sus productores. Sin embargo, en la cultura popular ha quedado como una proclamación que amerita el título de ser lo mejor que se estrenó en su año, aunque luego hayan objeciones al respecto.
Para esta edición, 10 películas compiten por ese pase a la posteridad. Algunas ya por sí solas se ganaron un lugar en la historia por convertirse en fenómenos sociales que trascendieron la pantalla. Otras, provenientes de diferentes latitudes o con temáticas que apuestan a la multiculturalidad, son el reflejo de un premio que hace tiempo dejó de pertenecer al cine estadounidense, y ahora se debe al mundo.
El Diario presenta un repaso por las historias nominadas en la categoría de Mejor Película:
Oppenheimer
Es la película con más nominaciones de esta edición, con un total de 13. Esto la pone dentro de un selecto grupo de cintas como Lo que el viento se llevó o Forrest Gump. Además de Mejor Película, compite en las categorías de Mejor Director, Guion Adaptado, Banda Sonora, Fotografía, Maquillaje y peluquería, Edición, Sonido, Vestuario y Diseño de Producción. También con nominaciones para Cillian Murphy a Mejor Actor; Robert Downey Jr. a Actor de Reparto y Emily Blunt para Actriz de Reparto.
Su director, Christopher Nolan, se inspiró en la novela ganadora del Pulitzer Prometeo americano (2005), escrita por Kai Bird y Martin J. Sherwin. Se trata de la biografía del físico estadounidense Robert Oppenheimer (Murphy), quien en los años cuarenta dirigió el Proyecto Manhattan y fue autor de la bomba atómica. Aun así, no termina siendo una historia completa de su vida, o ni siquiera del proceso de desarrollo del arma. Toma un capítulo más desconocido, como una comparecencia ante el Congreso del aspirante a secretario de Comercio Lewis Strauss (Downey Jr.) como punto de partida para contar todo.
Nolan hace uso de su sello con las narrativas no lineales para contar su historia en dos tiempos: uno subjetivo, enfocado en Oppenheimer y el camino que lo llevó hasta la creación de la bomba; y otro objetivo, donde enfrenta las consecuencias de sus acciones (todas). Este último se revela como la trama real, aunque por la forma en que se alternan hace referencia incluso a los principios de la física cuántica, donde las líneas del tiempo se vuelven difusas. Al final, es una superproducción en la que se aborda un momento clave de la historia mundial desde perspectiva solemne, pero sin glorificar la destrucción y el miedo que dejó tras de sí.
Poor Things
Le sigue a Oppenheimer en número de nominaciones, con 11. Destacan principalmente las de Emma Stone a Mejor Actriz, Mark Ruffalo a Mejor Actor de Reparto y del griego Yorgos Lanthimos a Mejor Director. También figura en las categorías de Mejor Guion Adaptado, Banda Sonora, Diseño de Producción, Maquillaje y Peluquería, Vestuario, Fotografía y Edición. Adapta libremente la novela homónima escrita en 1992 por el británico Alasdair Gray.
En el libro, escrito en forma de cartas, al final toda la historia narrada por el protagonista Archibald McCandless es desmentida por su esposa Victoria, quien cuenta lo que realmente ocurrió. Sin embargo, para la película, Lanthimos decide quedarse con el relato imaginario, sumergiéndose en un mundo onírico, que efectivamente se siente como un delirio fantástico. Allí, Bella Baxter (Stone) se empodera como el corazón de la historia, haciendo una road movie donde el viaje es una alegoría a su propio arco de crecimiento, en la medida que va, literal y metafóricamente, conociendo el mundo.
Partiendo como una deconstrucción de Frankenstein, la cinta aborda el proceso de la vida y el tránsito hacia la madurez de una forma hedonista y un tanto escatológica, pero mostrando la libertad y la curiosidad como instintos básicos del ser humano, y el camino que pueden tomar cuando se desarrollan sin ataduras. Aunque la película no pretende ser feminista, al abordar la evolución de su protagonista, termina tocando ideas y situaciones comunes en la vida y pubertad de muchas mujeres, como la precocidad, el descubrimiento de la sexualidad y las relaciones tóxicas, así como elementos de la cultura patriarcal que Bella subvierte en su búsqueda de sí misma.
Killers of the Flower Moon
La más reciente obra de Martin Scorsese acumula 10 nominaciones al Oscar. Está en las categorías de Mejor Fotografía, Edición, Vestuario, Diseño de Producción, Banda Sonora y Canción Original. Además de la nominación para Scorsese a Mejor Dirección y para Lily Gladstone a Mejor Actriz y Robert de Niro a Mejor Actor de Reparto.
Se basa en la novela de no ficción homónima (2017), de David Grann. La historia aborda cómo el Buró Federal de Investigaciones de Estados Unidos (FBI), todavía en sus inicios, resolvió el caso del asesinato de varios indígenas de la tribu Osage en los años veinte. Sin embargo, Scorsese, fiel a su estilo, pone el foco en los autores detrás de los crímenes. Así, convierte un thriller policíaco en uno de gangsters, donde lo importante no es la revelación final del asesino, sino el proceso de cómo llegar hasta el veredicto final.
Pero sobre todo, es una historia en la que se da un rostro a las víctimas. De allí la importancia de mostrar cada parte del desarrollo de los crímenes, no como parte de la investigación, sino como el testimonio del exterminio de un pueblo nativo americano por la codicia de un grupo de hombres blancos. También plasma un fenómeno poco contado en el cine de Hollywood, sobre cómo, más que la violencia, fue el arrollador paso de la modernidad el que acabó con ellos, a partir de toda la transculturización de los Osage y su asimilación a las costumbres (y vicios) occidentales.
Barbie
El gran fenómeno mediático y cultural del año 2023 cuenta con ocho nominaciones. Entre ellas dos a Mejor Canción Original por “I’m Just Ken” y “What Was I Made For?”, así como a Mejor Guion Adaptado, Diseño de Producción y Vestuario. Además de las nominaciones de Ryan Gosling a Mejor Actor de Reparto y America Ferrera a Actriz de Reparto. Su directora, Greta Gerwig, podría recibir junto a Noah Baumbach una estatuilla como escritora; sin embargo, quedó fuera del grupo de nominados a Mejor Director, lo que desató críticas por parte internautas y miembros del elenco.
También hubo una polémica alrededor de su propia nominación a Mejor Guion Adaptado y no Original, pese a que toda la historia es autoría de Gerwig y Baumbach. Aunque otros premios como el del Sindicato de Guionistas lo reconocieron, la Academia se basó en el hecho de que se basa en el universo de juguetes de la famosa muñeca de Mattel. Más allá de todo esto, la película resulta precisamente en un homenaje a todo el impacto que Barbie ha tenido en la cultura popular, a través de una comedia ingeniosa que se permite rupturas de la cuarta pared, metareferencias e incluso burlas directas a Mattel y Warner Bros.
Más allá de su mundo plástico y rosado, la película es todo un estudio semiológico, que a lo largo de su trama cuestiona, reafirma y deconstruye a Barbie como símbolo. Hace además una reflexión interesante sobre el existencialismo y la identidad, sin perder tampoco la conexión que la muñeca tiene con el público femenino para crear todo un discurso sobre lo que significa ser mujer, entre complejos y estereotipos. Todo a través de un lenguaje y humor ligeros, que permiten hacer llevadero su mensaje, e incluso momentos en los que deliberadamente mastica su discurso en la cara del espectador, como una forma de enfatizar cómo algo tan obvio todavía no logra ser comprendido en la actualidad.
Maestro
Esta cinta le valió a Bradley Cooper una triple nominación a Mejor Actor, Mejor Guion Original (como escritor) y Mejor Película (como productor). También compite en Maquillaje y Peluquería, Fotografía, Sonido y Mejor Actriz para Carey Mulligan, lo que completa sus siete nominaciones de la noche.
Es importante acotar que Maestro no es propiamente una biopic sobre Leonard Bernstein. No profundiza en su vida y su psicología, o tan siquiera en su prolífica carrera como compositor y el primer gran maestro de orquesta estadounidense. La película toma un pedazo muy puntual de su vida, y se centra en su relación con la actriz Felicia Montealegre (Mulligan). La historia arranca realmente desde el momento en que se conocen, y explora todos los pormenores de su matrimonio, los instantes de alegría, de celos, de tristeza y separación. En resumen, a pesar del huracán inestable que fue esa pareja, de alguna forma se mantiene como una historia de amor.
También hace un particular énfasis en la bisexualidad de Bernstein, aunque esto está anclado a la misma trama de su relación con Montealegre. De hecho, es la esposa quien parece abrirse más a profundidad en la cinta con la complejidad de sus emociones, el amor intenso que siente por su amado, pero también el resentimiento por años de entrega en los que comprometió hasta su carrera mientras su marido alcanzaba las estrellas. Una relación compleja, como todas, pero más con el peso de ver una figura histórica contemporánea en su intimidad.
The Holdovers
Esta comedia dramática dirigida por Alexander Payne cuenta con cinco nominaciones. Además de Mejor Película, compite en las categorías de Mejor Guion Original y Edición. Igualmente, destaca en Mejor Actor con Paul Giamatti y Mejor Actriz de reparto con Da’Vine Joy Randolph, ambos con altas probabilidades de llevarse la estatuilla a casa.
Ambientada en los años setenta, The Holdovers trata de emular aquellas cintas familiares de domingo incluso en el apartado estético y su tratamiento del color, para brindar un raro sentimiento de familiaridad que se siente cálido y cercano. Lo mismo ocurre con su premisa, en la que un profesor intransigente y odiado es forzado a convivir con un grupo de estudiantes desadaptados en un internado, desarrollando en el proceso una conexión donde cada uno aprende algo del otro.
Sin embargo, el valor de la película está en la construcción de sus personajes. Se sienten humanos, rotos, lidiando cada uno con sus propios problemas, pero encontrando allí una suerte de familia reunida dentro de sus diferencias. Esa empatía que se transmite al espectador y permite identificarse con sus complejos y pasados es lo que la hace resaltar entre tantas películas navideñas.
Anatomía de una caída
La cinta francesa, dirigida por Justine Triet, arrasó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro. En los Oscar cuenta con otras cuatro nominaciones además de la de Mejor Película: Mejor Dirección, Edición y Guion Original. También Mejor Actriz, para la alemana Sandra Hüller.
Al principio, Anatomía de una caída puede parecer una simple película judicial. El esposo de Sandra Voyter (Hüller) muere bajo circunstancias sospechosas al caer desde el tercer piso de su casa; sin embargo, cuando los forenses descubren que no pudo ser un accidente, recaen las sospechas sobre ella. En ese pulso entre la Fiscalía y la defensa, para determinar si se trató de un suicidio o un asesinato, radica el poder de la cinta, con diálogos brillantes que hacen sentir la intensidad del caso y atrapan hasta querer ver su resolución.
A pesar de que el espectador ve la historia desde la perspectiva de Sandra, en ningún momento dan por sentada su inocencia. Por el contrario, a momentos pone en duda todo lo ocurrido mientras se sumerge en un drama familiar íntimo. Como en los juicios reales, la evidencia está allí para la interpretación de las partes, aunque la lógica choca de frente como lo emocional al ver el impacto que tiene en sus involucrados tras cada audiencia. Con dureza, aborda temas como la libertad en el matrimonio, la culpa de la sociedad a las mujeres cuando no cumplen responsabilidades en el hogar, además de la salud mental masculina.
The Zone of Interest
La cinta es una coproducción entre el Reino Unido, Estados Unidos y Polonia. Dirigida por Jonathan Glazer, cuenta con cinco nominaciones al Oscar: Mejor Director, Mejor Sonido y Guion Adaptado. También es una sólida competidora dentro de la categoría de Mejor Película Internacional como candidata británica cuyas dos últimas ganadoras han sido precisamente cintas que también figuran en el cuadro de Mejor Película.
Está basada en la novela La zona de interés (2014), del escritor inglés Martin Hass. No obstante, toma un camino completamente distinto, al concentrarse de lleno en la vida familiar de Rudolf Höss, un teniente coronel de la SS (brazo paramilitar del partido Nazi) y quien fue comandante del campo de concentración de de Auschwitz. Mientras el libro toma de lleno el camino de la ficción con una historia de romance prohibido, la película encara por completo la historia real con sus nombres y lugares en una estampa casi costumbrista, pero recordando que al lado de aquel jardín florido, más de un millón de judíos fueron asesinados sistemáticamente por instrucciones de Höss.
Esta película ejecuta el poder de las sutilezas, del horror que no se ve en un primer plano, pero está allí. Auschwitz no es más que una pared de la que se asoman algunas torres y nadie más, salvo Rudolf, sabe lo que ocurre adentro. Obliga al espectador a prestar atención a la subtrama invisible que se esconde tras los brazaletes de los jardineros de fondo y los ruidos que, como murmullos, se cuelan entre los silencios de la casa. Recurre a la humanización del monstruo, al mostrar a Höss no como la caricatura del nazi iracundo y perverso, sino como un hombre familiar y tranquilo, un vecino cualquiera más cercano a la banalidad del mal de Hannah Arendt. Para él, la crueldad y la muerte solo eran un día más en la oficina, antes de cenar con su esposa e hijos.
American Fiction
Cuenta con cinco nominaciones: Mejor Banda Sonora, Guion Adaptado y, por supuesto, Mejor Película. También compite en las categorías de Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto, con Jeffrey Wright y Sterling K. Brown respectivamente. Se basa en la novela Erasure (2001) del estadounidense Percival Everett, lo que la hace esta ópera prima del director Cord Jefferson entre, quizás de forma involuntaria, en terrenos de la narrativa transmedia.
Esto, pues trata sobre un escritor afroamericano (Wright), quien intenta demostrar que puede hacer literatura sin depender de la condición de su raza. Sin embargo, tras una broma que escala cada vez más, descubre la hipocresía de la sociedad estadounidense, al convertir un best seller que traiciona por completo todas sus ideas sobre la explotación de su cultura para el consumo de la gente blanca. La película está cargada de sátira a la forma en que los medios masivos de comunicación apelan a una emotividad frívola para conmover.
Precisamente el tercer acto de la cinta, lleno de metanarrativa, con el escritor viendo su obra convertirse en película, parece trascender a la realidad misma con la sola existencia de American Fiction. Incluso su mordaz ironía, en la que se recrimina la fijación de la industria blanca por sobrecompensar cualquier obra con minorías involucradas para aliviar su culpa (o racismo reprimido), con las propias normas de inclusión de la Academia y las algunas de las nominaciones que obtuvo por ellas.
Past Lives
Esta cinta es el debut de la directora coreano-canadiense Celine Song. Se abre con relato semiautobiográfico, con el cual recibió dos nominaciones: Mejor Película y Mejor Guion Original. A pesar de la aclamación que recibió de la crítica y de ser una nominada frecuente en otras premiaciones de la temporada, al igual que Gerwig quedó fuera de la lista de Mejor Dirección.
¿Alguna vez has pensado qué pasó con tu primer amor?¿Dónde está?¿Cómo serían sus vidas si sus caminos jamás se hubieran separado? Pues a partir de esas ideas, Past Lives cuenta la historia de dos amigos en Corea del Sur que parecían destinados a ser felices por siempre, pero que quedó en el aire cuando una de sus partes se fue del país. Un argumento que fácilmente se puede proyectar a la actual Venezuela de migraciones, con tantos amores y relaciones frustradas.
La cinta aborda los distintos reencuentros que sus protagonistas viven a lo largo de los años, pero donde por diferentes razones no logran consolidar aquello para lo que sienten que deben estar juntos. Son como asíntotas destinadas a no tocarse, y más en la medida que cada uno sigue con su vida. Al final, es una historia que habla sobre superar la idealización del pasado y aprender a dejar ir. En Corea del Sur, existe la palabra in-yeon, que se refiere a la conexión entre dos personas que se va formando en cada una de sus reencarnaciones, y que tras 8 mil vidas, se convierte en un amor duradero. Quizás para sus protagonistas su in-yeon aún está por ocurrir, o pasó en una vida anterior a la que todavía se aferran.
